Hay una cosa que me ronda la cabeza a menudo sobre el documental. A veces, y más últimamente, se aboga porque el punto de vista sea parte de la narrativa del documental. Otras veces preferimos una supuesta objetividad, por las razones que sea, y creo que tiene que ver con mostrar el punto de vista de lo que queremos contar y no desde el que lo percibimos como creadores. Hay como una línea de veracidad o verosimilitud que estamos rompiendo si la cruzamos y somos menos objetivos de lo que decimos que vamos a ser o más subjetivos de lo que creemos que necesita el tema.
Hace poco se estrenó una nueva temporada de la serie documental de cocina Chef’s Table, que aunque trata de un tema bastante inocuo para exigir veracidad o verosimilitud, ha hecho que vuelva a pensar en esto y que me sienta molesto con algunas cosas. En la serie utilizan mucho la voz en off del protagonista del capítulo mientras la imagen muestra escenas de la preparación de los platos o de cómo van a por los ingredientes, el cocinero paseando por su restaurante, entre otro tipo de recursos visuales. También abusan un poco de la cámara lenta y de los planos emotivos. El caso es que, no me explico por qué, la voz en off consiste en fragmentos de entrevistas que a veces utilizan con su imagen, pero que van troceando para intentar introducir un elemento de reposo, de pausa o de reflexión interna al discurso del cocinero que muchas veces no tiene. Se me ha hecho muy evidente en los dos últimos capítulos que he visto, de Bo Songvisava y Albert Adrià. En el caso de Bo se nota porque cuando habla en la entrevista con imagen lleva un ritmo más rápido y no corta las frases tanto. El capítulo de Albert Adrià, que habla mucho más rápido y se entrecorta, es mucho más sangrante porque dejan el principio de la palabra siguiente al hacer el corte del audio (que es lo que suele pasar cuando el entrevistado no tiene costumbre y no deja mucho espacio entre palabras, es muy complicado hacer un corte que no sea brusco).
Y lo que yo me pregunto es ¿por qué? ¿Tan necesario es emocionar al espectador con la forma (aquí el montaje lento y reflexivo)? ¿Por qué el intento de componer todos los capítulos de la misma forma si cada uno de ellos trata un cocinero y un estilo completamente distintos? Creo que imponer un tempo falso a un tema documental crea una barrera con el espectador que no debería estar ahí. Por supuesto que podemos tratar de buscar un punto de vista más pausado, pero si una persona habla rápido o lento o se entrecorta, estaría bien aprovecharlo y buscar la manera de ser fiel a esa manera de ser con su representación.
No sé si tiene sentido hacer una lista, pero bueno, me sumo al carro y voy a hablar de algunos de los libros que me han gustado este año y por qué. No hay ganadores ni perdedores, de algunos me gustan más las fotos, de otros el papel, y otros están ahí por algo “superior” que engloba muchas cosas que no sé cómo definir.
“Y tu, ¿por qué eres negro?” de Rubén H. Bermúdez. Porque es imprescindible para dejar de mirarse el ombligo.
“Masahisa Fukase” de Masahisa Fukase. Aparte de concentrar casi todas las series fotográficas de Fukase en un solo envoltorio, el papel es una delicia, mucho más amable que la reedición de “Solitude of Ravens” que no me apetece tanto releer por el brillo y el tacto tan áspero (no físicamente, sino que no es cómodo de tocar). Tenía ganas de volver a ver las fotos de su padre, que en la exposición de Arles de 2017 me dejaron con un nudo en el estómago (fui tres o cuatro veces a ver esa exposición).
“CIENOJETES“ de Paco Gómez (y dos más). No sé, está bien.
“Dulce y Salada” de Jorge Panchoaga. Conocí este proyecto a través de Gonzalo Golpe, que había participado en la edición. En el crowdfunding explicaban que el fotolibro trataba sobre una zona de Colombia llamada Nueva Venecia donde la polución del agua está llevándose por delante la forma de vida de los habitantes. Una de las formas de aportar consistía en que entregaban un ejemplar del libro a uno de los habitantes de la zona, para que el trabajo no quedara solo en el exterior, como suele pasar con las fotografías que se hacen en lugares de conflicto. El fotolibro tiene una atmósfera muy bien cuidada.
“La ilusión documental” de Takuma Nakahira. Nakahira escribió mucho durante sus años de actividad fotográfica. Casi todos los textos aparecieron en revistas y libros publicados en Japón y muy pocos fueron traducidos al inglés o al castellano. En “la ilusión documental” se combinan la mayoría de los ensayos escritos por Nakahira, textos en los que habla de su práctica desde un punto de vista honesto y a veces enigmático. Es muy recomendable para quien quiera descansar de tanta imagen y quiera leerlas.
“The Suicide Boom” de Kenji Chiga. Se puede abordar un tema desde muchos puntos de vista, y en “The suicide boom”, Chiga aborda el fenómeno de los suicidios en Japón con un análisis en profundidad. Utilizando el papel y la impresión sobre distintos soportes, va generando diferentes lecturas sobre este tema tan difícil y velado en la sociedad, sobre todo en la japonesa, donde se da mucho más de lo que debería. Textos ocultos tras pliegues, o los papeles brillantes que contienen infografía y en cuyo reverso rugoso se presentan fotografías realizadas por el autor. En total 444 páginas de genialidad. Si añadimos que el libro ha sido hecho a mano por el propio autor, todo adquiere un nuevo sentido.
“Revuelta” de Guadalupe Arriesgue. Un libro pequeño, a medias entre fotolibro y fanzine, muy poético, experimental. Como una ola del mar que te revuelca y te arrastra, los poemas de Guadalupe Arriesgue se van mezclando con las imágenes hasta perder los límites entre texto y fotografía.
“33293” de Phes y Estela de Castro. 33293 son las personas que han perdido la vida intentando cruzar el mediterráneo entre 1993 y 2017. Muchas de ellas no han podido ser identificadas. En este libro, cuyos beneficios van directamente a ONGs que ayudan a personas que han tenido que dejar sus países o que viven en condiciones inhumanas por culpa de la guerra. El libro ha sido creado a partir de las fotografías tomadas por Estela de Castro durante varios viajes a campamentos de refugiados, y por fotografías tomadas por los propios inmigrantes con cámaras desechables, dándole voz a estas personas, que muchas veces carecen de un lugar donde mostrar su punto de vista.
“____________(Bike kill)” de Julie Glassberg. Hay libros que huelen raro por la tinta con la que están impresos. Suele ser tinta negra que huele a pescado. En el caso de “Bike kill” lo que huele son las portadas, hechas con goma de rueda de bicicleta. Y entras en la historia antes de abrir el libro, incluso antes de ver la portada y leer el título que no existe. Pero no es todo cáscara, en el interior, fotografías en blanco y negro muestran la vida de un grupo de jóvenes que hace torneos de justas en bicicleta.
“The tree of life is eternally green” de Pascual Martínez y Vincent Sáez. Porque habla de la naturaleza y cómo la conciben dentro de su vida los ciudadanos de Rumanía, pero se puede aplicar a cualquier persona que haya vivido alguna vez cerca de un bosque. Porque está hecho con mucho amor y porque son amigos, qué narices.
¿Qué es un fanzine? Esto es algo que yo no tengo muy claro del todo; como casi todo en la vida, dudo bastante de si mis conocimientos son suficientes sobre cualquier tema. Ramón, que ha hecho unos cuantos, siempre me dice que un fanzine es aquello con forma de fanzine. Gonzalo Golpe, en un curso sobre edición de fotolibros, comentaba que era una publicación “urgente”. Pero claro, Ramón tarda entre un mes y 5 años en sacar un fanzine y yo me meto un poco con él diciéndole que hace fotolibros con aspecto de fanzine. Lo que yo creo es que un fanzine es algo que está un poco fuera de las reglas o normas y vale para comentar cosas o publicar ideas sin muchas pretensiones.
Hay páginas que hablan sobre el tema con mayor profundidad de la que yo aquí puedo pretender, esta entrada no pretende dar claves ni establecer el estado del fanzine, es más algo urgente que me sirve de excusa para hablar de lo que estoy haciendo.
En 1972, Daido Moriyama comenzó a publicar una pequeña revista llamada Kiroku o Record partiendo de la premisa de Somerset Maugham que decía “when it rains, you should write that it rains” (cuando llueve, hay que escribir que ha llovido).
El propio Moriyama escribe esto sobre su publicación: “At the time, I was busy with all sorts of work for magazines. Partly because of a daily feeling inside that I shouldn’t let myself get carried away by it all, I came up with the idea of a small, self-published personal photo journal. Without any ties to work or any fixed topic, I just wanted to continue publishing a 16-page booklet with an arbitrary selection of favorite photos among the pictures I snapped from day to day. By nature, it was directed first and foremost to myself rather than other people. I wanted a simple, basic title, so I called it ‘Kiroku’ (record).” Agobiado por el trabajo diario para revistas, sintiendo que no debía dejarse llevar por la presión, le vino la idea de una publicación fotográfica pequeña, autoeditada. Sin vinculaciones con el trabajo ni ninguna temática fija, Moriyama quería publicar un libreto de 16 páginas con una selección arbitraria de las fotografías que tomaba en su día a día. Algo que haría para sí mismo y no para el público, algo simple, y por eso lo llamó Kiroku (conocido como Record, que en castellano se traduciría como registro).
A estas alturas todos sabemos que ninguna idea es completamente original, y la inspiración para hacer un fanzine es tan simple como los dos párrafos anteriores. Tenía ganas de seguir haciendo cosas que no tuvieran pretensiones. Ayer decía Alvaro Laiz en la conferencia del ciclo Full Frame que el mejor consejo que podía dar a la gente que estaba empezando en la fotografía era hacer lo que te llene de verdad y ser fiel a uno mismo en los proyectos personales (para nada dijo esto literalmente, pero la idea era esa).
Me gustaba especialmente el concepto de Record precisamente porque no tenía mayor pretensión que compartir algo. En mi caso, aparte de querer compartir una serie de fotografías que no habían entrado en otros proyectos o que estaban en el limbo, me sirve para probar cosas en maquetación, para hablar con imprentas, fallar y aprender. Hacer estas publicaciones me sirve como respiro para mi trabajo diario y para decir cosas que podría publicar en un blog pero no tendrían el mismo significado.
¿Por qué “Registro de exploración”? Obviamente, por un lado es referencia a Record y por otro alude a una concepción personal de la fotografía como una exploración, como experimento o como búsqueda de conocimientos. Como una forma de mostrar cosas que encuentro, ideas que surgen y probar conceptos que no se muy bien cómo quedarán. Mi forma de enfrentarme a los proyectos se basa bastante en el ensayo y error, y hacer algo que es sencillo de producir permite experimentar mucho más libremente y fallar con más felicidad (y facilidad). El título de la portada está escrito en japonés precisamente por jugar con esa idea, y porque el primer y segundo números tienen fotos del viaje a japón que no acabaron en “Than nothing, than flowers”. También he puesto los títulos en castellano en la contraportada. Los textos interiores, si los hay, serán principalmente en castellano, y en caso de no serlo, se traducirán de alguna manera (o no, es algo experimental).
En un principio estoy haciendo 50 copias de cada uno de los fanzines y serán mensuales (aunque esto puede cambiar). Cada uno costará 3€ y no tengo idea de enviarlos por correo en principio (aunque todo se puede estudiar). Iré publicando por Facebook los números según vayan saliendo y cuando se agoten, agotados quedarán.
Hace 1,5 años hice un TFM. Esta es su bibliografía. Creo que si lo hiciera ahora (posteriormente al curso Otra Historia de Underphoto) cambiaría muchas referencias e incluiría más fotolibros, aunque probablemente habría salido otra cosa en lugar de “Buitre y Corzo”.
– Adams, A. (1944). Born Free and Equal, photographs of the loyal Japanese-Americans at Manzanar Relocation Center. Nueva York: U.S. Camera
– Andrews, M., Callery, S., Melvin, J., Keiller, P., et al. (Enero 2004). Meaning, Mapping and Making of Landscape. The Architectural Review, 1283, 81-88.
– Anta, P. (2015). El encuadre fotográfico entendido como proceso: Factores tecnológicos, perceptivos y elementos constitutivos de la imagen fotográfica. Tesis, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.
– Araki, N. (2011). Araki: yo, vida, muerte. Editado por Isshiki, Y., Miki, A. & Sato, T. Nueva York: Phaidon
– Araki, N. (2014). Araki by Araki. Colonia: Taschen
– Asociación del Corzo Español (s.f.). Distribución Geográfica. Extraído el 20 de julio de 2016 desde http://www.corzo.info/ asociaciones- caza- corzo- espana/ biologia/ distribucion-geografica_53_25_75_0_1_in.html
– Barthes, R. (2009). La cámara lúcida. Barcelona:Paidós.
– Becher, B. & Becher, H., (2005). Cooling Towers. Massachusetts: MIT press
– Benjamin, W. (1982). El libro de los pasajes. Madrid: Akal.
– Benjamin, W., Weikert, A. E., & Echeverría, B. (2003). La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. México: Itaca.
– Bourdieu, P. (2003). Un arte medio. Barcelona: Gustavo Gili
– Burgin, V. (2003). Mirar Fotografías. En Ribalta, J., & Picazo, G., Indiferencia y singularidad. Barcelona: Gustavo Gili
– Burgin, V. (2004). Ensayos. Barcelona: Gustavo Gili
– Careri, F. (2013). Walkscapes. El andar como pràctica estética. Barcelona: Gustavo Gili.
– Carroll, L. (1999). A la caza del Snark. En Alicia en el país de las maravillas. Barcelona:
Plaza y Janés.
– Cartier-Bresson, H. (2011). Fotografiar del natural. Barcelona: Gustavo Gili
– Cartier-Bresson, H. (2014). Ver es un todo. Entrevistas y conversaciones 1951-1998. Barcelona: Gustavo Gili.
– Clark, L. (1971). Tulsa. Grove Press.
– Dávila, R. (21 de abril de 2016). Ricky Dávila: Fotografía y visión personal. Conferencia presentada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia. Extraído el 14 de junio de 2016 desde http://tv.um.es/video?id=79571&cod=a1
– Deleuze, G., & Guattari, F. (1997). Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia. Valencia: Pre-Textos.
– Eco, U. (2002). Prólogo. En Santarcangeli, P. El libro de los Laberintos. Madrid: Siruela
– Eliasson, O. (2006). Caminos de la naturaleza. Madrid: La Fábrica
– Fontcuberta, J. (1997). El beso de Judas: Fotografía y verdad. Barcelona: Gustavo Gili.
– Fontcuberta, J. (ed) (2003). Estética fotográfica. Barcelona: Gustavo Gili.
– Fontcuberta, J. (2010). La cámara de pandora: la fotografía después de la fotografía. Barcelona. Gustavo Gili
– Foucault, M. (2002). La arqueología del saber. Buenos Aires:Siglo xxi.
– Freund, G. (2011). La fotografía como documento social. Barcelona: Gustavo Gili.
– Ginzburg, C. (2008). Mitos, emblemas, indicios. Morfología e historia. Barcelona: Gedisa.
– Goldin, N., (2014). The Ballad of Sexual Dependency. Aperture Foundation.
– Guasch, A. M. (2011). Arte y Archivo, 1920-2010 Genealogías, tipologías y
discontinuidades. Madrid: Akal
– López Moreno, I. (2015). Post-imágenes antárticas: Sobre la naturaleza construida de la naturaleza. En Campillo, D., Trazos sobre un mapa breve. Granada: Universidad de Granada.
– Parque Natural Cañón del Río Lobos. Desnivel Ediciones (España). Escala 1:25.000. Barcelona: Editorial Piolet.
– Polley, S. (Directora). (2012). Stories we tell (película) Toronto: National Film Board of Canada
– Sammlung Goetz (26 de septiembre de 1997). Nobuyoshi Araki – Diane Arbus – Nan Goldin. Extraído en junio de 2016 desde http://www.sammlung-goetz.de/ en/Exhibitions/ past/1997/NobuyoshiAraki_DianeArbus_NanGoldin.htm
– Sanz, F. (2008). La Fotobiografía: imágenes e historias del pasado para vivir con plenitud el presente. (pp. 44-46) Barcelona: Editorial Kairós.
– Sontag, S. (2008). Sobre la fotografía. Barcelona: Debolsillo
– Sougez, M. L. (2001). Historia de la fotografía. Madrid: Cátedra
– Taylor, A. C. (2013). Sentimental Journey/Winter Journey: Araki Nobuyoshi’s contemporary shishosetsu. Tesis. Extraído el 20 de marzo de 2016 desde https://scholarsbank. uoregon.edu/ xmlui/handle/1794/13310
– U.S. Civil Service Commission (1979). Ansel Adams’ Official Personnel Folder. Extraído el 20 de Julio de 2016 desde https://catalog. archives.gov/id/7582466
– Vega, C. (2013). Ficciones fotográficas del álbum de viaje. En Vicente, P. (Ed), Álbum de familia: [re]presentación, [re]creación e [in]materialidad de las fotografías familiares. Madrid: Diputación de Huesca/La Oficina.
– Vicente, P. (ed) (2013). Álbum de familia: [re]presentación, [re]creación e [in]materialidad de las fotografías familiares. Madrid: Diputación de Huesca/La Oficina.
Durante toda mi vida (o casi toda) he sido poco constante a la hora de hacer sólo una cosa. No quiero que esto suene como algo negativo, no se muy bien a qué se debe, pero cuando algo deja de interesarme, es más bien complicado que vuelva a ello para quedarme. Creo que la fotografía es lo único que no deja de interesarme desde que tengo uso de razón. No se si la fotografía sería lo más preciso, digamos la imagen fotográfica, que deja un poco más de margen a otras cosas que pueden no ser fotografía propiamente dicha pero que yo (porque soy así) considero imágenes fotográficas. No voy a entrar a detallar estas imágenes, porque da igual.
Borja Morgado, profesor de la carrera que nos dio Ilustración (pero del que he aprendido más de fotografía que de otra cosa), nos dijo en una clase que no hay que hacer solo fotografías de los momentos felices. Que la fotografía también sirve para mostrar otras emociones, otros momentos más allá de los cumpleaños y los viajes. Aquí estaba hablando de fotografía familiar, obviamente, ya que desde que la cámara fue lo suficientemente portátil se han mostrado todo tipo de situaciones que no son precisamente felices.
Desde entonces (desde que nos dijo eso Borja) he ido haciendo fotografías un poco a escondidas, a veces no, de todos los momentos no-precisamente-felices de mi vida como ente familiar. Esto, más allá del recuerdo fotográfico, me ha ayudado en diferentes aspectos a enfocar mi personalidad hacia una perspectiva en la que los momentos negativos pierden un poco de poder sobre mi (a través de la imagen me hago un poco más fuerte) y analizo mejor las situaciones. También tengo un recuerdo más vivo de esos momentos y puedo (a la vez, aunque suene raro) hacer que pasen antes en su aspecto negativo.
Cuando empecé a hacer el proyecto de #notaninstant con Adela en enero de este año no teníamos mucha idea de a dónde íbamos a llegar en los siguientes 365 días que duraría el proyecto. Es un poco extraño ver cómo evoluciona una relación durante un año, sobretodo cuando termina en una separación. Es un proyecto doloroso, sobre todo lo ha sido el último mes de noviembre, y en diciembre estoy continuando con él por varios motivos. Primero porque la vida no es un instante, porque sigue y no podemos quedarnos parados para ver qué ocurre en el futuro. Segundo porque dejar de hacer un proyecto porque se vuelve doloroso sería un poco subrayar que la fotografía solo sirve para contar cosas felices. Y tercero porque es de las pocas cosas en las que soy constante en esta vida, hacer fotos y contar cosas con ellas, aunque me duelan. No tengo muy claro qué pasará con las fotos cuando acabe el año, si se quedarán en un cajón o formarán parte de otra cosa, pero hasta entonces seguiré haciendo una foto al día.
This post is about the production and publication of my photobook which you can buy here (although calling it artist book would be more appropriate). I think this is the fastest project I have ever done, but this doesn’t mean it has lost any quality, since the process has been very fluid from the beginning; and that is where I will start.
Basho:
木のもとに 汁も膾も
桜かな
Underneath the trees
soups and salads are buried
in cherry blossoms
During April 2017 I travelled to Japan. It was conceived as a vacation trip to enjoy the place, see monuments, eat (EAT) and take some pictures for the family album. The problem was that I like photography quite a lot (maybe too much), and researching places to go to, I started looking for photobook shops, photography stores, second hand camera shops and galleries and museums related to photography. Since I wanted to have enough information about it, in an attempt of bravery and wit I sent a message to Gabriela Cendoya, of whom I knew very little at the moment, apart from her being an avid photobook collector which meant she would know something on the matter. After telling her all I had planned (just for Tokyo) she told me that it was probable I had more information about japanese libraries than her, and that photobooks, as everything else in life, depend on the taste, that I should look and take whatever I was interested in. It seems I am getting away from my thesis, but it is all related. Gabriela put me in contact with Ricardo Garrido, who lives in Tokyo, to get more information about interesting photography-related places and he talked to me about TOP Museum and told me there was a place called Reminders Photography Stronghold, managed by Yumi Goto, that was very interesting. I didn’t give too much importance to that information. I looked the places up and put them in the map we had created for the trip. Once in Tokyo, for some reason or another, we ended up not visiting Yumi’s place.
In the first days of the trip, in Kyoto, I bought an excelent analog camera (nicknamed by Adela as C3PO). With it and another compact digital camera we took all of the photos during the journey. Buying the camera and taking loads of pictures with it (13 rolls or about 450 shots) was not fruit of casuality. I had planned on buying a camera and taking pictures with the intention of doing something, a project, a series, a thing, about Japan. Throughout the journey, the idea of what to photograph began taking a clearer shape, as I looked for cherry blossoms, people in the subway and more or less a link between the two things.
We also stored brochures, papers, cards and small magazines with the intention of scanning them too. With the developed photographs and a slight idea of what I wanted to talk about (which was the hanami, or cherry blossom celebration), I started editing the images, with more or less luck and cohesion. I also began investigating about the hanami celebration and the meaning it had in Japan, and what I saw in the images I had taken. The first selection and sequence had to do with the passing of time, with fugacity and “mono no aware” (this concept is very important). A bit by instinct I began trying different things with the pictures, like painting over them with watercolor, making origami flowers and looking for ways to transfer that sensation to the photos (or looking for it in the images).
The first version of the project was sent to a PDF contest in Arles, France. We had planned on going to the Opening week before traveling to Japan and, even though I didn’t have time to take the pictures to any portfolio review, there I went to see what had been done and what would come in photography this year. The festival’s opening week, by the way, was on the first days of july. Before that I had seen that in Getxophoto, another festival organised in Bilbao, they were offering a photobook making workshop with Yumi Goto and Juanan Requena. In order to be selected for the workshop you had to send a project to work with during the classes, so I sent a little selection of the japanese photos (the second or third selection) and a brief description of what I wanted to say with the pictures.
Back to Arles, July 2017. In the beginning I was planning on leaving Murcia tuesday morning and arriving in the afternoon, but I saw in the programming that there was a photobook talk by Yumi and some other people that day. So at 3 in the monday afternoon I left Murcia and 11 hours and a lot of tolls later, I arrived at Arles. I didn’t know them at the time, but during the talk I was seating behind Yoshiko Mogi, Miki Hasegawa, Miyuki Okuyama, Mayumi Suzuki and Kenji Chiga, who had participated in other workshops with Yumi and all of them had their dummy coming along.
After the talk I approached Yumi and introduced myself, told her that I was working on a project about Hanami and Japan, she looked at me with a funny face, like saying “you don’t know the trouble you are in”. We spoke for a while as I explained her what I wanted to do and what I knew about the celebration. She told me hanami was something much deeper than just a spring celebration in which japanese people go to the parks to eat and drink, that, to say it bluntly, I was stepping in muddy waters, but she would like to know more and see where I went with the project. We met again a couple of times during the festival and I had the luck to see some of the books and dummies she had brought. The production level in all of them was astounding, and then end there I decided to get the most out of the Getxo workshop if I was selected (the selection timeframe ended after the Arles opening week). Yumi said not to worry about that, and introduced me to Arimasa, who was also planning on attending the workshop and was working on a project about his relationship with his girlfriend, who passed away due to cancer some time ago. I also met Juanan Requena there, since the last day of my stay he came to have dinner with us, and I told him I was going to the workshop. Back in Murcia I saw I had been selected, so I prepared everything they had asked us to do before going and looking for a place to stay in Bilbao.
During the summer vacation I used the extra time of a trip to visit the family to take pictures of the cherry trees moving in the wind, without flowers. In Murcia I made different tests with cherries, putting them on glass containers, seeing how they decomposed, and reading the Genji Monogatari by Murasaki Shibiku, from where I took some of the texts included in the final book. The other text I found looking for haikus about hanami and cherry trees, and I found other texts in the novel that didn’t make it into the book, but versed about the same concept of time passing, youth leaving and cherry trees. Another test I did was placing the origami flowers in the shape of the japanese map, and making pink paper petals, like those of the cherry flowers, to make another map and blow the petals away during a series of images. I had also found some woodblock print images in the Library of Congress about Hanami and cherry blossoms, free for use and publication. So, at the end of August I went to Bilbao with a suitcase filled with the photographs and materials I had prepared for the first session, and a hard drive full of photos and images for the project.
At that moment I had two more or less defined lines in the pictures. One line consisting of cherry trees, petals and people celebrating hanami, and another line of people in the subway and trains in which the pale pink color of cherry flowers was present or photos where flower motifs and flower-like clothing was used as a trigger for taking the picture; and apart from that I had all the scanned materials and found images. During the first session we laid out the first selection of images on the wall (a bit ample selection in my case, since the exact final concept was a bit diffuse).
After setting this up and explaining the images and what we wanted to say with them, we went on with commenting each other’s projects, and thanks to them I found out that there was a great dispersion in the selection, that there were images too explicit to be inside the “mono no aware” concept, which was the main line I hade decided (and the thing that appeared most in the project). There were also images in the hard drive from the compact digital camera (which at first I considered as being inferior to the analogs). With the hepl of Yumi and Arimasa I was able to put away the pictures that were farther from the concept from a japanese audience point of view, which was something I wanted to have in mind so that the work was not disrespectful or vulgar; from my point of view (and confirmed by Yumi) it had to be subtle but clear. For clarity, Juanan’s advice was key, since he helped me on how to see photographs that were full of different information, or in which there were noisy elements that separated them from the subtlety and clarity I needed.
I now had a much smaller selection than at the beginning, the wall almost empty, and then I started a new search in the hard drive, looking for images closer to the concept and the selected pictures. The quality and where they came from was irrelevant at that moment, they would serve as stand-ins for the first paper dummy to design the narrative of the book. With the hard drive selection done, Yumi went through all of our computers, helping and refining our selections from a different point of view, always respecting the concept we had chosen. I was a bit afraid of the selection we had made in the hard drive, since many of the images were very similar, but Yumi insisted and told me not to worry, to start working on the paper dummy with that selection and then start polishing in Indesign.
Selection for the first paper dummy
During the weekend we worked on the paper dummy, pasting and sequencing the images we had on very basic paper signatures. This helped us see the flow between one picture and the next, and get an idea of the size, the contrast from one photo to another, as well as finding out where there was something missing and where we had to take images out. With the photos from the wall as the image shows I found out that there were certain similarities between the woodblock prints and some of the hanami celebration photos, and that was something I had to explore in the book.
After doing the paper dummy we had another group session to put in common the works. The first dummy had some hard contrasts and harsh cuts in the sequence that changed the register of the story I was trying to tell. Yumi told me that I had to take advantage of the picture repetition, using the little changes in the images to speak about the impermanence and the transient state of things. Giancarlo Shibayama, who was there as Yumi’s assistant, explained to me that in the book he was working on, the images were folded in the japanese traditional binding style, with the center of the image on the outer border of the page, and that each photograph was in contact with the one before and the one after, something I hadn’t thought about until then, but really helped on the flow of my project’s narration. Step by step, the picture sequence was starting to get clearer and I went on with designing the dummy on indesign. The final format couldn’t be very big, or I would lose the view of a somewhat little idea. I thought that something I could print in A4 size would be big enough for the concept, and I started thinking about the paper I would use for printing.
On one of the sessions we went to the Goya shop in Bilbao, in order to see the papers and materials for the final dummies. I asked there if they had 50 or 60 gram paper, so that when folded it wouldn’t be very thick and also for it to have some transparency. I also looked for japanese papers for another idea I had, to give another layer that meant the fragility and fugacity of life. The intention was to cover some images of the book so that they had a layer over them, like a flower petal that doesn’t allow for us to see the whole picture. On other pictures I used transparency to make them fade out. I did a dummy in normal paper, still without a final title, to see the sequence and the effect of the japanese paper and binding.
After the second dummy came the hardest thing, coming up with the title (some in English, some in Spanish). Accross the trees (gracias Juanan), volver del viento, volver, terminar, viaje, viento, final tránsito, cambios, pétalos, rosa, nothing you can see, nothing in the trees, la velocidad del viento, nothing in the wind, pétalos madera hojas, pétalos hojas madera, spring again, spring morning sun, than the stars, than the flowers, Than nothing, than the flowers. Between the first and last title ideas there was a long span of time (at least that seemed to me), thinking about everything I wanted to tell but not explain with text inside the book. The final title is a play on words with a japanese phrase “than the stars, than the flowers (星よりも、花よりも Hoshi Yori mo, Hana Yori mo, suggested by Yumi) which refers to something more beautiful than the stars and the flowers, and in the book, “than nothing” is about the cherry tree’s state when it has no leaves or flowers, just the wood, a future state, a potential in which every other life state is latent.
The book starts with the cherry blossoms and finishes with a plum branch without flowers or leaves. I had thought of changing the final pictures for those of a cherry tree in the beginning, but as I was investigating the hanami celebration I found out that it was originally celebrated in february during the plum blossoming, but due to the better climate during the cherry blossoming and the fact that flowers fell completely from the tree, the latter was popularized among the masses. The plum flower stayed on the tree and didn’t have the same implications about transience and impermanence. With the idea of uniting the past and present, as I had done with the woodblock prints, I decided to leave the plum branch as a colophon for the book. On the last day of the workshop I made two final dummies (with a little difference between them), so that Yumi could take one for her library in Tokyo, which I numbered as 0 of 85.
Genji Monogatari:
宮人に行きて語らむ山桜 風よりさきに来ても見るべく」
“Hurry up if you want to see the blooming cherry trees in the mountains, for the winds may visit them before you”
嵐吹く尾の上の桜散らぬ間を 心とめけるほどのはかなさ
Little time separates the cherry blossoms from the fall storms that destroy their flowers… That is the time you will think of me!
Why will I make 85 copies? Looking for a significant number for me or the project, given that I was talking about life, cycles, the time that will never come back, I decided to use the year of my birth to mark the number of books I would make, marking a time that will never come back. I have started production at home, and had to make some adjustments to the final book ,which in the dummy were a bit confusing, but that I have compensated with other things.
I think thtat with this and the technical data it is all quite clear.
Technical data:
“Than nothing, than flowers”
110 pages
Handbound japanese binding
September 2017,
Editions: 85
Size: 195mm x 148mm x 15mm
Price: 65€ plus shipping
Photos/binding/translation: Isaac Rupérez Cano
Texts: Basho and Murasaki Shibiku
Woodblock prints from the pre-1915 fine prints collection found in loc.gov
Language: English and Japanese
Made in the context of Photobook as an Object workshop with Yumi Goto and Juanan Requena in Bilbao, August 2017
The Photobook as an Object workshop Bilbao participants:
Pablo, Juanan, Tere, Yo, Arimasa, Amaia, Diego, Yumi, Marco y Giancarlo (Sonia had to leave early)
Esta entrada trata sobre la fabricación y publicación de mi libro de fotografía que podéis comprar aquí (aunque llamarlo libro de artista sería una definición algo más acertada). Creo que este es el proyecto que he realizado con más rapidez de todos los que he hecho, aunque no creo que por ello haya perdido calidad, ya que el proceso ha sido algo bastante fluido desde el inicio; y por ahí empezaré el texto.
Basho:
木のもとに 汁も膾も
桜かな
Underneath the trees
soups and salads are buried
in cherry blossoms
En abril de 2017 viajé a Japón. En un principio se planteó como un viaje de vacaciones para disfrutar del lugar, ver monumentos, comer (COMER) y hacer algunas fotos para el álbum familiar. El problema es que me gusta la fotografía bastante (incluso mucho), y mirando lugares a los que ir, empecé a mirar también librerías donde comprar fotolibros, tiendas de cámaras de segunda mano y museos y galerías relacionados con la imagen fotográfica. Como quería tener suficiente información al respecto decidí, en un alarde de ingenio y valentía, mandar un mensaje a Gabriela Cendoya, de quien sabía más bien poco en ese momento, aparte de que era una ávida coleccionista de fotolibros y que, por lo tanto, algo debía saber al respecto. Después de contarle lo que había planeado (solo para Tokyo) me dijo que probablemente tenía más información sobre librerías de Japón que ella, y que en los fotolibros, como en todo en la vida, la cosa va por gustos, que mirara y me llevara los que me interesaran a mi, que para eso era el que los iba a comprar y disfrutar. Parece que me estoy desviando del tema, pero no, todo tiene una relación. Gabriela me puso en contacto con Ricardo Garrido, que vive en Tokyo, para que me informara sobre lugares que podían ser interesantes, y Ricardo me recomendó visitar el TOP Museum y me dijo que había un lugar llamado Reminders Photography Stronghold, que llevaba una tal Yumi Goto, que era muy interesante. En aquel momento no le di mucha importancia a esta información. Busqué dónde se encontraba la galería de Yumi Goto y lo apunté en el mapa que habíamos creado para cada una de las ciudades que íbamos a visitar. Una vez en Tokyo, por unos y otros motivos (siendo el principal la extensión de la ciudad y el secundario el tiempo limitado del que disponíamos) no llegamos a visitar la casa de Yumi.
Durante los primeros días del viaje, en Kyoto, compré una cámara analógica excelente, que Adela apodó C3PO, por ser dorada y negra, como el robot de Star Wars. Con esa cámara y la digital compacta que llevamos realizamos muchas fotografías durante todo el viaje. Comprar la cámara y hacer muchísimas fotos con ella (13 carretes o 450 fotos aproximadamente) no fue fruto de la casualidad. Había un plan premeditado de comprar una cámara compacta analógica y hacer una serie de fotos con la intención de hacer algo, un proyecto, una serie, un algo, sobre Japón. A lo largo del viaje la idea de lo que fotografiar con la analógica fue tomando más forma, buscando imágenes de los cerezos en flor (ya que era la temporada alta del hanami y pudimos ver todos los estados de los cerezos desde recién florecidos a casi vacíos de flores), haciendo fotos a gente en el metro y trenes y más o menos buscando un vínculo entre las dos cosas.
También fuimos guardando folletos, papeles, tarjetas y pequeñas revistas con la intención de escanearlas y hacer algo con ellos. Con las fotos reveladas y una idea más o menos de lo que quería contar, que era sobre la celebración de la floración de los cerezos (hanami), fui haciendo distintas ediciones de las imágenes, con más o menos fortuna y más o menos cohesión. También empecé a investigar sobre la celebración y los significados que tiene en japón, y lo que veía en las imágenes que tenía. La primera selección que hice y más o menos secuencié estaba relacionada con el paso del tiempo en la vida, con la fugacidad y el “mono no aware” (este concepto es importante). Un poco instintivamente empecé a probar cosas con las imágenes, como pintar con acuarelas y colores rosados sobre ellas, hacer origami de flores con ellas y buscar formas de trasladar esa sensación a las fotografías (o buscar las fotos que mejor lo transmitieran).
La primera versión del proyecto, por probar, la envié a un concurso de PDF del festival de fotografía de Arles, en Francia. Poco antes de ir a Japón también habíamos planificado la visita a la semana de apertura del festival, y aunque no me dio tiempo a llevar las fotos para ningún visionado oficial o extraoficial, allí me planté (al final solo porque Adela trabajaba) para ver qué se hacía y qué se iba a hacer en la fotografía este año. El festival de Arles, por cierto, fue en los primeros días de julio. Antes de eso había visto que en Getxophoto, otro festival que se organiza en Bilbao (en Getxo), habían preparado un curso de realización de fotolibros con Yumi Goto y Juanan Requena. Para ser seleccionado para el curso había que mandar un proyecto en el que se fuera a trabajar durante el taller, y yo mandé una pequeña selección de las fotos de Japón (la segunda o la tercera que hacía) y una breve descripción de lo que pretendía contar con las imágenes.
Volvemos a Arles, julio de 2017. En un principio iba a ir el martes por la mañana y llegaría por la tarde, pero vi en el programa que el martes había una charla sobre fotolibros impartida entre otros por Yumi Goto. A las 3 de la tarde del lunes (aproximadamente), salí de Murcia y 11 horas y muchos peajes después llegué a Arles. Durante la charla, que fue muy interesante, coincidió que estaba sentado junto a Yoshiko Mogi, Miyuki Okuyama (ganadora del premio a mejor maqueta en Cortana on the move), Mayumi Suzuki, Kenji Chiga y Miki Hasegawa, que habían participado en cursos previos de Yumi, que llevaban cada una su maqueta bajo el brazo (figuradamente).
Tras la charla me acerqué a Yumi y me presenté, le dije que estaba trabajando en un proyecto sobre el Hanami y Japón, y me miró con cara un poco rara, como diciendo “no sabes dónde te has metido”. Charlamos un rato mientras le explicaba lo que pretendía contar y lo que sabía sobre la celebración. Me dijo que el hanami es algo más profundo que simplemente la celebración de la primavera en la que los japoneses salen a los parques a comer y beber, que, por decirlo llanamente, me estaba metiendo en un berenjenal importante, pero que le gustaría saber más y ver a dónde llegaba. Durante el resto de días del festival nos encontramos un par de veces más y pude ver algunas de las maquetas o libros de artista que había traído. El nivel de cuidado que tenían todas ellas era impresionante, y estaba decidido a sacar el máximo partido posible del taller de Getxo, si me cogían (en Arles aún no había terminado el plazo de presentación). Yumi me dijo que no me preocupara por eso, y me presentó a Arimasa, que también se había apuntado al taller, y estaba haciendo un proyecto sobre su relación con su novia, que había muerto de cáncer hacía pocos años. Y también me encontré con Juanan Requena, el último día vino a cenar con nosotros y le dije que estaba apuntado al taller. Al volver a Murcia vi que había sido seleccionado para el taller, así que me puse a preparar todo el material que nos habían pedido para los primeros días del curso y a buscar dónde quedarme en Bilbao.
Durante el verano, aproveché la visita a la familia para hacer unas cuantas fotografías más a cerezos agitados por el viento, ya sin flores. En Murcia estuve haciendo pruebas con cerezas, poniéndolas en recipientes, viendo cómo se iban descomponiendo, y leyendo la Novela de Genji, de Murasaki Shibiku, de donde saqué uno de los textos incluido en el libro. El otro texto lo encontré buscando haikus sobre hanami y sobre cerezos, y tenía otros textos seleccionados que al final no aparecen en el libro pero que hablaban de lo mismo, del paso del tiempo, de la fugacidad de la primavera (y de la juventud) y de los cerezos. Otra prueba que hice fue colocar las flores de origami con la forma del mapa de japón, y hacer pétalos de color rosa, emulando las flores de cerezo, para hacer otro mapa de japón que fui soplando poco a poco en una serie de fotografías. También había encontrado, en la página de la biblioteca del congreso de los EEUU (www.loc.gov) una serie de ilustraciones de flores de cerezo y de grabados sobre Hanami, todos libres para su publicación y uso. A finales de agosto, fui a Bilbao con la maleta cargada de las fotos que había sacado para la primera sesión del taller y el disco duro lleno de todas las fotos que había hecho en el viaje y para el proyecto, tanto analógicas como digitales.
En este momento tenía dos líneas más o menos definidas dentro de las fotos. Una línea que consistía en imágenes de los cerezos, de pétalos y de la gente celebrando, y otra línea de fotografías de personas en el metro y los trenes en las que el color rosa pálido y los motivos de flores se habían utilizado como “disparador”; y aparte de esto tenía todos los elementos escaneados del viaje. Durante la primera sesión pusimos todas las imágenes que habíamos seleccionado en la pared (una selección amplia en mi caso, ya que la línea exacta de las imágenes estaba algo difusa).
Después de esto y de explicar las imágenes y lo que queríamos contar cada uno, pasamos a una sesión de comentarios sobre el trabajo de los compañeros, y gracias a ellos me dí cuenta de que había una gran dispersión dentro de la selección, que había imágenes que eran demasiado explícitas y que se salían del concepto de “mono no aware”, que era el hilo principal que había decidido (y que más aparecía durante la preparación del proyecto). También había imágenes que tenía en el disco duro que había realizado con la compacta digital (y que en un primer momento consideraba como “inferiores”). Con la ayuda de Yumi y Arimasa pude ir quitando las imágenes que se perdían más del concepto teniendo en cuenta un público japonés, que era algo que quería tener muy en cuenta para no hacer un trabajo irrespetuoso o chabacano sobre el tema, desde mi punto de vista (y confirmado por Yumi), tenía que ser algo sutil, pero claro. En la claridad me vino muy bien el consejo de Juanan, que me ayudó a ver las fotografías que eran poco claras, en las que había ruido y sobraban cosas que sacaban del concepto al espectador externo.
Ahora tenía una selección mucho más pequeña que al principio, la pared casi vacía, y con esto comenzó una nueva búsqueda entre las imágenes descartadas previamente en el disco duro, buscando fotografías más acorde con esta última selección que fueran fieles al concepto. Daba igual en este momento la calidad o la procedencia, servirían para orientar la primera maqueta en papel y delimitar un poco la narración del libro. Con el disco revisado, Yumi fue pasando por los ordenadores de cada uno, ayudando con la edición y aportando su punto de vista teniendo en cuenta el concepto. Con la selección que hicimos, yo tenía un poco de miedo de tener muchas fotos muy parecidas, pero Yumi insistía en que no me preocupara, que fuera preparando la maqueta en papel con esa selección para ver lo que salía y empezar después a depurarla en indesign.
Selección previa a la maqueta en papel
Durante el fin de semana hicimos una maqueta en papel, pegando las fotografías y ordenando la secuencia de imágenes que teníamos para contar nuestra idea. Hacer esto nos ayudaba a ver la fluidez de las imágenes, a hacernos una idea del tamaño y del contraste entre unas imágenes y otras, así como a ordenar mejor y ver dónde podían faltar imágenes y dónde había que quitar. Con las fotos en la pared como se ven en la imagen fue donde me dí cuenta de que había una serie de similitudes entre algunas fotografías y los grabados de hace más de 100 años que había encontrado, y tenía que explorarlo de alguna forma en el libro.
Tras la maqueta en papel, hubo una sesión de puesta en común y fuimos recibiendo ideas de Yumi, Juanan y el resto de compañeros. A la primera maqueta que había hecho le sobraban un poco ciertos contrastes que había en la secuencia, cortes bruscos en las imágenes que cambiaban el registro de lo que se estaba contando. Yumi me dijo que tenía que utilizar la repetición de las imágenes a mi favor, utilizando imágenes similares con pequeños cambios para hablar del estado transitorio de las cosas. Giancarlo Shibayama, que estaba allí como ayudante de Yumi, me explicó que en el libro que él estaba preparando, las imágenes, al estar dobladas al estilo tradicional japonés, con el doblez hacia fuera, quedaban en contacto con la página anterior y la siguiente, algo que no me había planteado hasta entonces, pero que para la narración del libro hacía muy bien de puente y ayudaba a aportar fluidez al hilo de imágenes. Poco a poco la secuencia de imágenes se iba aclarando, y empecé a trabajar en la maqueta de indesign teniendo en cuenta cómo iba a componer finalmente el libro. El formato final elegido no podía ser muy grande, o se perdería la concreción de las imágenes que hablaban de una idea hasta cierto punto pequeña. Pensé que algo que pudiera imprimir en un A4 sería lo suficientemente grande para la idea que tenía, y también empecé a pensar en el papel que quería usar.
Durante una de las sesiones del taller fuimos a la librería Goya de Bilbao a ver papeles y materiales para las maquetas finales. Allí pregunté si tenían papel de 50 o 60 gramos, para que al doblarlo no fuera demasiado grueso y, a la vez, tuviera una cierta transparencia. También busqué entre los papeles japoneses que tenían para otra idea que tenía para aportar otra capa que tratara la idea de la fragilidad y fugacidad de la vida. La intención era cubrir ciertas imágenes del libro para que tuvieran una especie de pétalo que no permitiera ver del todo la foto. En otras imágenes se utilizó la transparencia para hacer que fueran desapareciendo. Hice una maqueta en papel normal, todavía sin el título final en mente. Quería ver la secuencia en su formato más o menos final y coserlo para ver cómo funcionaba el papel japonés.
Después de esta maqueta vino lo más difícil, buscar el título. Accross the trees (gracias Juanan), volver del viento, volver, terminar, viaje, viento, final tránsito, cambios, pétalos, rosa, nothing you can see, nothing in the trees, la velocidad del viento, nothing in the wind, pétalos madera hojas, pétalos hojas madera, spring again, spring morning sun, than the stars, than the flowers, Than nothing, than the flowers. Entre las primeras ideas de título y la última pasó mucho tiempo, pensando en todo lo que quería contar pero no quería explicar con texto en el libro. El título final del libro es un juego de palabras con la frase japonesa “que las estrellas, que las flores” (星よりも、花よりも Hoshi Yori mo, Hana Yori mo, sugerida por Yumi) que se refiere a algo más bello que las estrellas y las flores, y en el caso del libro, “than nothing” (que nada) sería el estado del cerezo cuando aun no hay flores ni hojas, sino solo madera, un estado de futuro, que es el potencial de todos los demás estados de la vida.
El libro empieza con fotos de cerezos en flor y acaba con una rama de ciruelo sin flores ni hojas. Había pensado cambiar las fotografías finales por ramas de cerezo en un principio, pero mientras investigaba sobre la celebración del hanami encontré que, inicialmente, se celebraba en febrero con el florecimiento de los ciruelos, pero el buen tiempo de la época de floración de los cerezos y el hecho de que las flores cayeran del árbol por completo les hizo más populares para las masas. La flor del ciruelo quedaba en el árbol y no tenía las mismas implicaciones en cuanto a la transitoriedad y la impermanencia. Con la idea de unir el pasado con el presente, decidí dejar la rama de ciruelo como colofón del libro. El último día del taller pude hacer dos maquetas, coserlas y que Yumi se llevara una para su biblioteca en Tokyo, que es diferente a la que yo me quedé en algunos aspectos y que numeré con 0 de 85.
Genji Monogatari:
«Apresuraos si queréis ver los cerezos de las montañas en flor, no sea que los vientos los visiten antes».
宮人に行きて語らむ山桜 風よりさきに来ても見るべく」
“Hurry up if you want to see the blooming cherry trees in the mountains, for the winds may visit them before you”
Pocos meses separan el florecimiento de los cerezos de las tormentas de otoño que destruyen sus flores… ¡He aquí el tiempo que pensarás en mí!
嵐吹く尾の上の桜散らぬ間を 心とめけるほどのはかなさ
Little time separates the cherry blossoms from the fall storms that destroy their flowers… That is the time you will think of me!
¿Por qué hacer 85 copias? Buscando un número significativo para mi o para el proyecto, dado que hablaba de la vida, de ciclos, del tiempo que no volverá, decidí utilizar el año de mi nacimiento para marcar el número de libros que haría, marcando un momento que no volverá. Ahora que he empezado la producción he hecho algunos cambios en el producto final, que en la maqueta final quedaban algo confusos, pero que he compensado con otras pequeñas sorpresas.
Creo que con esto y con la ficha técnica queda todo bastante claro.
Ficha técnica:
“Than nothing, than flowers”
110 páginas
Cosido japonés a mano
Septiembre 2017,
Ediciones: 85
Tamaño: 195mm x 148mm x 15mm
Precio: 65€ más gastos de envío
Fotografías/Cosido/Traducción: Isaac Rupérez Cano
Textos: Basho y Murasaki Shibiku
Grabados en madera de la colección de impresiones pre-1915 encontrada en loc.gov
Idioma: Inglés y Japonés
Hecho en el contexto del taller Photobook as an Object en Bilbao, impartido por Yumi Goto y Juanan Requena en agosto de 2017
Mis compañeros del curso de Getxophoto:
Pablo, Juanan, Tere, Yo, Arimasa, Amaia, Diego, Yumi, Marco y Giancarlo (falta Sonia)
la maqueta de “libro” de Pablo
Sistema japonés para sortear el orden de las intervenciones
En 1972, Daido Moriyama comenzó a publicar una pequeña revista llamada 
